En la animación digital, el definir a detalle el ambiente (escenografía) y el contexto (situación o condición de los personajes) te permitirán dar sentido de pertinencia y mantener atenta y cautiva a tu audiencia, porque reconoce ciertos patrones y formas que son comunes o naturales a su propio contexto.

Tal es el caso del cortometraje Toy Story de Pixar; el ambiente completamente dedicado a los juguetes y al juego con los mismos permitió que la audiencia, sin importar su edad o género, se identificará y mantuviera su atención en el filme.

Otro ejemplo son los diferentes modelos de teléfonos inteligentes, donde presentan momentos en la vida cotidiana de los futuros clientes y de cómo ellos logran y obtienen de forma fácil y cómoda información, o como los futuros clientes integran temas de salud, diversión, medición y compra de productos mostrando un nuevo ambiente con nuevos modelos de interacción.

Imagen obtenida de www.pixar.com Sólo para fines educativos.

Los elementos dentro de la animación son los recursos tangibles que interactúan o dan contexto a una situación y que forma parte de la historia, definir cómo se integran, qué rol o función deben realizar en la secuencia, si es un elemento de forma (escenografía) o un elemento de acción (personaje) permitirá a la audiencia reconocer ciertos patrones de comportamiento o sociales dentro de su entorno y con ello tener una mejor claridad en el mensaje a transmitir.

Un ejemplo de elementos de la animación son los ambientes y entornos, este tipo de elementos que pueden ser imágenes estáticas o en movimiento, dan a la audiencia un mensaje inicial donde acontecerán situaciones propias de la historia y que forma a otros elementos como los personajes.

La selección del ambiente y entornos está basada en la narrativa, si en esta se expresa una situación dentro de una oficina, se pueden elegir elementos como fotografías o ilustraciones que permitan generar acciones.

Los personajes son los que realizan la acción y transforman la historia, dando sentido a los elementos en los que coexisten, también manejan el estado emocional de la historia, y no están centrados únicamente en personas, pueden ser cualquier objeto que es descontextualizado para darle un sentido humano y que la audiencia se identifique.

En la animación digital, los personajes pueden ser creados o representados con base en un ícono social, o surgen del contexto al que pertenecen. Con base en sus decisiones y retos logra liberar un estado de exhalación en la audiencia, Nick Nierva —Character Designer en Pixar— en una entrevista comenta al respecto:

Una película sin conclusión genera mucha confusión porque no hay claridad, es decir, quizás los personajes son claros, las escenas son claras, pero toda la trama y la historia no llega a un mensaje claro.

El gran reto en la animación digital es dejar en la mente de la audiencia un sentido de conclusión. Este puede ser definido desde el entendimiento que tengas de la audiencia, sus gustos, sus preferencias, y las actividades que realizan de forma cotidiana; las encuestas de salida permiten la clasificación de posibles estilos y formas en las que el mensaje (conclusión) puede dar sentido de pertinencia y de identidad, no es una fórmula, es más bien una buena práctica, ya que los gustos y preferencias cambian constantemente con base en lo que se le presente a la audiencia, pero el mensaje debe ser el mismo, siendo algo interactivo, visual o presencial al momento de comunicarlo.

El ambiente es una referencia visual contundente, gran parte de éxito de las películas 3D recae en el diseño y elaboración de los ambientes, inclusive en diferentes horas del día o en diferentes estados del tiempo. La correcta selección del estos entornos permitirá una mejor adaptación e inmersión de la audiencia en la historia.

Puedes seleccionar elementos reales que pueden ser transformados de forma digital en entorno, adaptados para que cumplan con una función específica, como el realce a un estado de ánimo, o enfatizar en la complejidad de una situación en la que los personajes pueden expresar sólo con su presencia.

Centrar todo el contenido del mensaje sólo en la escena demanda un mayor trabajo en los detalles, en el sentido de naturalidad que representa para la audiencia y del contexto real que permita por el simple hecho de visualizarla, entender una situación, el movimiento de la misma escenografía puede dar un mayor realce y dinámica siempre que no sea constante y permanente que confunda a la audiencia. Jay Shuter, diseñador de ambiente en Pixar, comparte en su experiencia :

Depende completamente de la narrativa y del sentido del mensaje a transmitir, es común centrar el peso de la animación en efectos espaciales, donde se llega a sorprender a la audiencia, o dar total peso a los ambientes y paisajes de la historia o a los detalles de elementos que dominan la historia.

Lo importante es mantener un tiempo para cada elemento; es decir, habrá situaciones de entrada/salida entre escenas donde la escenografía debe tener un peso superior, o en momentos de acción los elementos de entorno que utiliza el personaje dan continuidad a la historia, no todo el tiempo debe estar en acción y no todo el tiempo debe estar en paisajes; la mejor recomendación es que la intención y la conclusión sean contundentes.